エクアドルのキトに闘牛復活を Un homenaje a la feria de Quito y a lo que dejo atras

カタルーニャのバルセロナだけではありません｡世界のあちこちで闘牛が偏見と無知によって虐げられています｡中米の Quito の栄光と現実。

世界で最も理性的で美しいもの、corrida de toros を失うということは、人間性の喪失です｡

LUIS MAZZANTINI Y EGUÍA の短編映画"Gran Corrida de Toros"封切り(1898)

El 27 de diciembre de 1898 se estrenó la película "Gran Corrida de Toros", un corto protagonizado por el diestro Luis Mazzantini Eguía en el que se refleja la apasionante historia de la vida del torero.

残念ながら､ "Gran Corrida de Toros" の詳細は不明であります。

Luis Mazzantini Eguía nació (再録)

重力と時間 (ABC 紙より) La gravedad, flecha del tiempo

El tiempo fluye en una única dirección. Resulta obvio para cualquiera que, a la velocidad de un segundo por segundo, todo transcurre desde el pasado hacia el futuro. Los objetos, y las personas, envejecen sin remedio y nunca se ha podido observar que algo, o alguien, logre que ese proceso funcione al revés. Si freimos un filete, jamás volverá a "desfreirse". Si un plato cae al suelo, se romperá, pero nunca podremos ver un plato roto sobre el pavimento recomponiéndose mientras regresa a la mesa de la que cayó. Si una estrella explota, el proceso es del todo irreversible.

¿Por qué suceden así las cosas? O, dicho de otra manera, ¿Por qué todo en nuestro Universo sigue una única "flecha del tiempo"? A lo largo de toda la Historia, filósofos y científicos se han preguntado por esta cuestión. Desde Aristóteles a Stephen Hawking, la cuestión del tiempo ha preocupado siempre a la humanidad.

Ahora, un equipo de investigadores del Instituto Perimeter de Física Teórica en Waterloo, Canadá, ha publicado en Physical Review Letters un artículo en el que se apunta toda una nueva teoría para explicar el tiempo y su devenir. Flavio Mercati y sus colegas creen que la "culpa" la tiene la gravedad, la más familiar y a la vez la más misteriosa de las fuerzas de la Naturaleza. Y que es precisamente ella, la gravedad, la que obliga al tiempo a transcurrir en una única y determinada dirección.

A primera vista, la gravedad no parece ser el lugar adecuado para buscar pistas sobre el tiempo. Y no hay, en principio, nada en las ecuaciones que describen la gravedad que sugiera que el tiempo debe ir en una única dirección. En su lugar, los investigadores suelen mirar al Segundo Principio de la Termodinámica para explicar por qué un plato que se rompe o un filete recién frito son dos procesos irreversibles.

De hecho, el Segundo Principio de la Termodinámica afirma que en cualquier sistema cerrado existe una cantidad de desorden (que llamamos entropía) que aumenta a lo largo del tiempo sin que pueda evitarse. En conjunto, y hagamos lo que hagamos para mantener un cierto orden en las cosas, la entropía del Universo no deja de crecer. Si tenemos entre manos un sistema de "baja entropía", como una casa recién ordenada y limpia, podemos estar seguros de que, con el paso del tiempo, la entropía aumentará sin remedio y hará que nuestra casa vuelva a estar sucia y desordenada. Lo mismo sirve para el resto del Universo.

A mediados de la pasada década de los setenta, el físico británico Roger Penrose fue el primero que prestó atención a la Segunda Ley para definir la dirección en la que transcurre el tiempo. Según su razonamiento, nuestro Universo va pasando, desde su comienzo, de ser un sistema ordenado a otro en el que el desorden es cada vez mayor. Es decir, que el Universo entero debería estar más y más ordenado cuanto más atrás en el tiempo lo observemos.

Sin embargo, lo que sabemos sobre los primeros instantes del Universo nos indica justo lo contrario. Justo después del Big Bang, en efecto, lo que había era una sopa de plasma ardiente en la que las partículas ni siquiera podían unirse para formar átomos.

Pero Mercati y sus colegas Tim Kowlowski, de la Universidad de New Brunswick, y el físico británico Julian Barbour, ofrecen en su artículo una nueva forma de aproximarse al problema. Y explican que para comprender la flecha del tiempo, no necesitamos preocuparnos de las condiciones iniciales del Universo. En lugar de eso, debemos fijarnos solo en la gravedad, que puede explicar el fenómeno por sí misma.

Muy pocos autores han tomado hasta ahora este camino. La razón es que la gravedad no dice nada sobre el tiempo y todas sus ecuaciones son simétricas en relación al tiempo. Eso quiere decir que todas ellas funcionan independientemente de la dirección que tenga el tiempo. Imaginemos que, miestras se cae el plato del ejemplo anterior, tomamos un vídeo del suceso. Si pasamos el vídeo hacia delante, (del orden al desorden) se verá cómo el plato se rompe al llegar al suelo. Si lo pasamos hacia atrás, (del desorden al orden) veremos cómo el plato se "recompone" desde el suelo hasta quedar intacto encima de la mesa. Pues bien, en cualquiera de los dos casos, las leyes de la gravedad funcionan igualmente bien.

Un Universo de «juguete»

Para averiguar cómo la gravedad podría explicar el problema del tiempo, los investigadores simularon sus efectos en una versión muy simple del Universo, una en la que apenas un millar de partículas se distribuyeron al azar en un espacio vacío, permitiendo que se movieran en función de la fuerza de la gravedad. Y hallaron que, inevitablemente, las partículas alcanzaban un punto en el que todas se agrupaban estrechamente. Después de lo cual, se volvían a separar para no volver ya nunca más a agruparse.

Curiosamente, la complejidad del sistema crece, incluso cuando las partículas no están ya estrechamente agrupadas. La definición de complejidad usada por los investigadores se relaciona con el espacio que hay entre las partículas y es, aproximadamente, la relación que existe entre las distancias máximas y mínimas de las partículas. Definida de esta forma, la complejidad es menor cuando las partículas están más juntas, y crece a medida que el sistema evoluciona y se expande.

Este modelo "de juguete" del Universo consigue un parecido razonable con la forma en que nuestro Universo pasó espontáneamentede un estado de baja complejidad (el plasma inicial), a otro de alta complejidad, con planetas, estrellas y galaxias. Así que la flecha del tiempo, argumentan los investigadores, va siguiendo este aumento natural de la complejidad.

Lo cual no supone, para Mercati, una alternativa al Segundo Principio de la Termodinámica, sino un complemento. La gravedad, afirma el científico, crea las condiciones para que haya filetes que poder freir o platos que se puedan romper. Es decir, que la Segunda Ley sigue explicando la ruptura irreversible de los platos al caer, pero es el poder "aglutinante" de la gravedad el que explica cómo se crean las condiciones ordenadas en el que las estructuras complejas, como platos, filetes, seres humanos o galaxias, pueden llegar a formarse.

El trabajo de Mercati y sus colegas no será, sin duda, la última palabra para explicar la flecha del tiempo, pero sí que supone un gran paso adelante hacia su comprensión.

A partir de aquí, el nuevo modelo tendrá que ser refinado y completado. De hecho, por ahora solo usa el concepto newtoniano de la gravedad, dejando a un lado la teoría de Einstein de la relatividad general. Para Mercati, un mayor grado de comprensión será posible cuando logremos tener un marco que combine ambos enfoques, la tan buscada teoría cuántica de la gravedad.

Multiverso / multiverse 多元宇宙

宇宙、実年齢は１億歳上 El universo: 100 millones de años más viejo de lo que se creía

Pablo Sorozábal murió (1988) パブロ・ソロサバル歿

パブロ・ソロサバル（Pablo Sorozábal, 1897年9月18日-1988年12月26日）は、芸術音楽と映画音楽の両方で活躍したスペインのバスク人作曲家です。

地元 サン・セバスチャン(ドノスティア)とマドリードで学んだ後、ドイツのライプツィヒに留学、さらにベルリン高等音楽学校に学びましたが、音楽理論の教師としてはアルノルト・シェーンベルクよりもフリードリヒ・コッホに好意を寄せていました。ドイツ時代に指揮者デビューを果たし、その後も指揮台が音楽活動の中心となりました。ライプツィヒ時代の演奏会用の作品に、《バスク組曲 Suite vasca 》（1923年）、《バスクの二つの点描 Dos apuntes Vascos 》（1925年）、《バスクの主題による交響的変奏曲》（1927年）があります。ドイツ時代でおそらく最上の作品は、ハイネの詩に曲付けされた、メゾソプラノと管弦楽のための《7つのリート》（1929年）でしょう。後期作品では合唱と管弦楽のための葬送行進曲《ゲルニカ》（1966年）が目立っています。オーケストラ伴奏つきの合唱曲では、1946年の映画音楽「 Jai-Alai 」が出典の《聖母マリア様 Maite 》と、1956年の《バスクの大地よ ¡Ay, tierra vasca! 》が、バスク人の心を捉えて離さないようです。

サルスエラ《カチューシャ Katiuska 》（1931年）が最初の舞台作品で、それに続く20曲ほどのサルスエラは、確かな舞台感覚によって、抒情的な煌きと比類のない管弦楽法を組み合わせています。最も愛されているものには、「マドリード風」のコメディ《一輪の薔薇 La del manojo de rosas 》（1934年）や、大西洋岸を舞台とした「大西洋ロマンス」《港の居酒屋 La tabernera del puerto 》（1936年）があります。

ソロサバルは自由主義に共感していたため、スペイン内戦の後では孤立状態のようになり、後期のサルスエラはマドリードでは初演されなくなったか、初演されてもあまり重要でない劇場で行われました。このような後期作品に、野心作の諷刺ロマンス《道化のブラック Black, el payaso 》（1942年）や、スキーを主題としたミュージカル《 Don Manolito 》（1943年）も含まれます。ソロサバルは映画音楽も手懸けており、とりわけ有名なものにスペイン映画《汚れなき悪戯 Marcelino Pan y Vino 》（1955年）の主題歌があります。

マドリード交響楽団の指揮者としての任期は、ドミートリイ・ショスタコーヴィチの《レニングラード交響曲》の指揮を拒否したことで、1952年に突如として終わりを迎えました。音楽喜劇《 Las de Caín 》はサルスエラ座で1958年に初演されたものの、歌劇《フアン・ホセ Juan José 》は、1979年のリハーサル中に制作が延期されて以来、今なお上演されていません。

ソロサバルの1988年12月26日マドリードでの死去とともに、ロマン主義的なサルスエラの創作史も終幕を迎えました。ソロサバルの劇場での活躍と音楽的な機転は、サルスエラの歴史において誰にも劣らないものと言えます。




Pablo Sorozábal

(San Sebastián, 18 de septiembre de 1897 - Madrid, 26 de diciembre de 1988) Compositor y director de orquesta español. Estudió música en su ciudad natal gracias a la ayuda de la Sociedad de Amigos del País, que le posibilitó tomar lecciones con Alfredo Larrocha (violín) y con Manuel Cendoya (solfeo). Fue niño cantor del Orfeón Donostiarra y durante su infancia y juventud se ganó la vida tocando el violín por cafés y teatros. En 1914 ingresó en la Orquesta del Gran Casino de San Sebastián y en 1919 se trasladó a Madrid para ser violinista de la Orquesta Filarmónica de dicha ciudad, gracias al apoyo del director de orquesta Enrique Fernández Arbós.

Estudió luego en Leipzig con Stephan Krehl (contrapunto), Hans Sitt (violín) y Friedrich Koch (composición) debutando en Berlín como director de orquesta en 1923. En 1928 decidió volver a España y fijar su residencia en Madrid. Allí dirigiría la banda municipal de dicha ciudad entre 1936 y 1938 y la Orquesta Filarmónica de Madrid entre 1945 y 1952.

Como compositor, fue uno de los últimos grandes representantes de la zarzuela, en una época en la que el género empezaba a dar muestras inequívocas de agotamiento. Estrenó en Madrid, con gran éxito, la zarzuela Katiuska (1931), con libreto de Emilio González del Castillo y Manuel Martí, y alcanzó posteriormente otros éxitos en este género con obras como La tabernera del puerto, La del manojo de rosas (1934), La eterna canción (1945) y Black el payaso (1942). Compuso también para orquesta títulos como Variaciones sobre un tema popular vasco (1927) y Paso a cuatro (1956) y las óperas Adiós a la bohemia (1933), sobre textos de Pío Baroja, y Juan José.

Así es Alicia

Hola Ernesto, acabo de llegar a casa y estamos preparando la cena de navidad. Julia espera a Papa Noel... jajaja...

ya se que estaras diciendo... hay que matar a papa noel porque es yankee

un beso.

Alicia es mi estrella o planeta. ¡Qué guapa! Y Julia es mi luna o satélite.

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Navidad の深夜も闘牛観戦(Toros desde Ciudad Real)２年前の録画篇(再々放送)

シウダ・レアルからの録画中継であります｡ El Cid が tres orejas の大活躍です｡

El jueves 25, día de Navidad, disfrutaremos recordando la corrida que se celebró en Ciudad Real el pasado 17 de agosto de 2012, con reses de José Vázquez y Sonia González para los diestros El Cid, Daniel Luque y Fernando Tendero.

	17/08/2012	1 El Cid	Oreja	Sonia González
		2 Daniel Luque	Ovación	José Vázquez Fernández
		3 Fernando Tendero	Oreja	Sonia González
		4 El Cid	Dos orejas	José Vázquez Fernández
		5 Daniel Luque	Oreja	Sonia González
		6 Fernando Tendero	Silencio	José Vázquez Fernández

2年前の Ciudad Real の闘牛 Internet インターネットで 闘牛 Toros con historia 観戦しましょう (録画篇 diferido)

上記のページに詳細があります｡

       

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Humphrey Bogart nació ハンフリー・ボガート誕生 (1899年)

先日 カサブランカ Casablanca を久し振りに観ました｡今日は その protagonista ボギーの誕生日です｡(一説には､１月13日生まれとあります。)

(Nueva York, 25 de diciembre de 1899 - Hollywood, 14 de enero de 1957---今のErnesto Mr. T よりもずっと若く亡くなったのであります---) Actor estadounidense. 

Nació 25 de diciembre de 1899 en el seno de una prominente familia de NuevaYork. Fue el mayor de los tres hijos de DeForest Bogart, médico de Manhattan, y de Maud Humphrey, brillante pintora e ilustradora. Ambos alcohólicos. 

Combatió encuadrado en la marina de su país en la Primera Guerra Mundial. En 1935 actuó en la obra de teatro El bosque petrificado, cuya posterior versión en la gran pantalla le reportó un clamoroso éxito. Ello le permitió participar en El halcón maltés (1941), dirigida por John Huston. En sus siguientes películas, Casablanca (1942) y Pasaje a Marsella (1944), consolidó su imagen de tipo duro y frío, pero a la vez honesto y sentimental. En 1945 participó en Tener o no tener (ヘミングウェイ原作、しかも ローレン・バコールと共演・競演)映画邦訳名『脱出』, en cuyo rodaje conoció a Lauren Bacall, con quien contrajo matrimonio poco después, y en 1951 obtuvo el Oscar por su interpretación en La reina de África. Rodó su última película, Más dura será la caída, en 1956, ya enfermo de cáncer de esófago, dolencia que le causó la muerte al año siguiente. Poco amigo de los convencionalismos de Hollywood, se erigió en portavoz del nutrido grupo de actores contrarios a la caza de brujas promovida por el senador McCarthy.

La figura de Humphrey Bogart se asocia indefectiblemente con todo un género: el cine negro. "En mis últimas 34 películas fui tiroteado en doce, electrocutado o ahorcado en ocho e hice de presidiario en nueve." Con estas palabras, Humphrey Bogart resumía en 1941, a la puerta del palacio de los mitos y a punto de entrar en la década más importante de su carrera, su trayectoria, forjada en su mayor parte en el cine de gángsters de los años 30. Un año antes, en 1940, había conocido una de las muertes más poéticas de su carrera: en El último refugio (1941), de Raoul Walsh, ante un imponente escenario montañoso, el gángster desesperado que durante tanto tiempo había interpretado caía abatido por la policía y su pasado moría bajo un amplio cielo desnudo. El Bogart que renació después sería otro. El Bogart de los años 40 fue el melancólico, el detective de rostro esculpido por el tiempo cuya sonrisa torcida en los labios pugnaba por salir para ocultar todo el dolor sufrido, la emoción a punto de desbordarse. Nadie como él supo jamás cómo no mostrar lo que sus ojos, a pesar de todo, traicionaban. El género ya existía antes de él, pero con Bogart, más que con cualquier otro actor, el cine negro llegó a ser lo que fue.

Oscuros ambientes cargados de tinieblas, humo de incontables cigarrillos y la humedad espesa de la ciudad tras la lluvia: ése fue el hábitat del detective de los años 40. La voz en off del protagonista cortando el silencio de las calles vacías por la noche o acallando ruidosas orquestas en los nightclubs, mientras el detective se movía por una telaraña de corrupción y venenosas mujeres de labios y mirada oscura y de aún más oscura moralidad. En el cine negro todo es ambiguo, nada es lo que parece: en El halcón maltés (1941), Bogart está a punto de caer en la red de pistas falsas que tiende la ambiciosa Mary Astor; en Callejón sin salida (1947), sigue los pasos de una fascinante Lizabeth Scott hasta descubrir el hielo de su corazón cruel y, como Fred McMurray frente a la voluptuosa Barbara Stanwyck de Perdición (Billy Wilder, 1944), deberá luchar contra la obsesión que ella le inocula. McMurray no era más que un simple vendedor de seguros, y perdió la cabeza y mucho más que eso; Bogart fue siempre fuerte, y supo muy bien cómo sortear los peligros de las mujeres araña que salían de cacería portando la barra de labios como única arma.

El cine negro, con Bogart o sin él, fue siempre el relato del hombre solo y desamparado, enfrentado al destino en una ciudad hostil. La dureza de Sam Spade (el personaje del novelista Dashiell Hammett que Bogart encarnó a la perfección en El halcón maltés), como la abierta violencia del Mike Hammer creado por el novelista Mickey Spillane (encarnado en 1955 por Ralph Meeker en El beso mortal, de Robert Aldrich) son ejemplos típicos del género. Tampoco hacía falta ser detective para encontrarse de cara con el crimen, la maldad, los celos, la seducción: John Garfield en El cartero siempre llama dos veces (1946) es un aventurero vagabundo que cae en las redes rubio platino de la propietaria de un local de carretera con ganas de divorciarse por la vía expeditiva. La alta temperatura emocional que se desarrollaba en estas películas se iluminó con luces y sombras directamente traídas del expresionismo alemán. No en vano fue Fritz Lang, trasladado a Hollywood, otro de los grandes creadores del género. La mujer del cuadro (1944) o Perversidad (1945) no requerían más elementos que éstos: un hombre y una mujer con pasado, y un crimen en el presente.

En este turbio mundo sin salida y de labios demasiado humedecidos por el alcohol fue donde Bogart encarnó a algunos de sus personajes más legendarios. Tras encontrar en 1944 en un plató de rodaje (el de Tener y no tener, de Howard Hawks) a "la flaca" Lauren Bacall, e iniciar uno de los romances (y matrimonios) más recordados de Hollywood (cuyo punto de partida es, en la mente de todo cinéfilo, el célebre "Si me necesitas, silba", con que Bacall apuntala la seducción del protagonista en esta cinta de aventuras), ambos rodaron en 1946 una de las cumbres del género, El sueño eterno (1946), también a las órdenes de Hawks.

Basada en la novela homónima de Raymond Chandler, El sueño eterno es cine negro en estado puro: brillantes, afilados diálogos cargados de ironía y una trama compleja y sembrada de cadáveres que desafía la capacidad del espectador para seguir el hilo de los acontecimientos (corre, incluso, la leyenda de que durante el rodaje tuvo que realizarse una llamada al autor de la novela para aclarar quién era el asesino de uno de los muchos personajes secundarios). El viejo general Sternwood, perteneciente a una acaudalada y excéntrica familia, contrata al detective privado Philip Marlowe (Humphrey Bogart) para que investigue quién le está haciendo chantaje aprovechándose de la vida díscola de su hija menor, Carmen (Martha Vickers). A medida que avanza en sus pesquisas, a Marlowe se le complica el caso debido a una turbia trama de asuntos delictivos de toda índole: pornografía, extorsión, juego y asesinato. Además, se enamora de la hija mayor de Sternwood, Vivian (Lauren Bacall), una joven atractiva, ya divorciada y de carácter difícil, que parece estar complicada en el asunto.

Pistola en mano, Bogart se enfrenta a una numerosa galería de personajes dudosos, entre los que destaca la misma Bacall, en un frágil equilibrio entre culpabilidad e inocencia que fue el terreno favorito de muchas grandes damas del cine negro (Stanwyck, Ava Gardner, Gene Tierney, Rita Hayworth, Veronica Lake o Jane Greer, entre otras). Ante Bacall, el cinismo atemperado y triste de Bogart encontró su máxima expresión: otros duros del cine negro como Burt Lancaster, Dana Andrews, Robert Mitchum o Alan Ladd jugaban fuerte, pero en cualquier caso, ninguno de ellos contrajo con tanta virulencia la enfermedad de la melancolía que siempre fue la baza segura de Bogart.

Con un guión firmado nada menos que por William Faulkner, Leigh Brackett y Jules Furthman, la adaptación de la novela de Chandler fue, y todavía es, bastante discutida por su escasa fidelidad al original. Hawks realizó una película poco ortodoxa y muy especial, en la que destacan por encima de todo el ambiente lúgubre y confuso en el que se desenvuelven los personajes, y al que no son ajenas la fotografía de Sid Hickox y la forma, en cierto sentido de staccato, con que trata internamente las secuencias. Hay que destacar, sobre todo, dos aspectos que no solían ser prioritarios en el cine negro, la banda sonora de Max Steiner y la dirección artística, sencilla aunque muy cuidada, de Carl Jules Weyl.

Desaliñado, rudo, áspero, tierno y bebedor: la marca del paso del tiempo en su personaje (algo que en el universo de las estrellas parecía no existir hasta entonces) fue lo que permitió que Bogart se convirtiera en los años 40 en el mayor romántico, el hombre por excelencia, con el que todo espectador temía que soñara su compañera. Contribuyó no poco a esa percepción de Bogart como el último romántico la mítica película de Michael Curtiz, Casablanca (1942). Con este filme, la voz de Bogart se incrustó en la galería de los sonidos más recordados del cine. "Presiento que éste es el principio de una gran amistad", "Siempre quedará París", "Ve con él, Ilsa": jamás los diálogos de Hollywood resonaron tan profundamente en los oídos del espectador como en Casablanca. Historia que parecía destinada al fracaso (nadie confiaba en que el aparentemente disparatado emparejamiento entre Bogart e Ingrid Bergman fuera a funcionar), con su romanticismo desesperado y la lírica melodía de su nostalgia se convirtió de un día para otro en la imagen por antonomasia del cine de los años 40. La emoción que recorre cada una de las frases y de los fotogramas de esta mítica cinta es la imagen de un Hollywood que ya no volverá jamás.

Curiosamente, Casablanca era un proyecto sin demasiadas pretensiones, planteado como un simple melodrama de aventuras. Tanto Michael Curtiz como Humphrey Bogart e Ingrid Bergman trabajaron casi en un ambiente de improvisación. Rodada en Marruecos, el resultado final parece un milagro si se tiene en cuenta lo accidentado y tenso del proceso de producción. Pocas semanas antes de empezar el rodaje, la Warner tenía a su disposición un magnífico plantel de actores y actrices y un experimentado director, pero le faltaba una historia. Por ello, el rodaje se inició sin haber acabado el guión; a los actores se les entregaba cada día el diálogo escrito la noche anterior y retocado sobre la marcha.

Casablanca es una película de intriga y aventuras, construida sobre el tema de la Segunda Guerra Mundial, el espionaje y la resistencia, y en la que se desarrolla una complicada historia de amor entre sus protagonistas. En plena Segunda Guerra Mundial, Casablanca es una ciudad neutral bajo el control del gobierno de Vichy, representado por el capitán Louis Renault, pero quien en realidad ejerce el mando es el coronel alemán Strasser. En una ciudad repleta de aventureros de todos los países, el Rick's Cafe es parada obligada; en él todo se compra y se vende, a la espera de obtener un salvoconducto para Estados Unidos. Su propietario es el estadounidense Rick Blaine (Humphrey Bogart), un personaje enigmático y de atormentado pasado. Una noche, Victor Laszlo (Paul Henreid), dirigente de la resistencia checa buscado por los alemanes, llega al café acompañado de una mujer danesa, Ilsa Lund (Ingrid Bergman)---美しい---, su esposa. Ilsa y Rick habían vivido un apasionado idilio en París en vísperas de la ocupación nazi y se reencuentran por primera vez en Casablanca.

El resultado de tal planteamiento es una película que mantiene en vilo al espectador desde su inicio y sólo se resuelve al final, en la emblemática secuencia del aeropuerto, tantas veces evocada en películas posteriores. "Siempre quedará París", le dice Rick a Ilsa al final de la película, cuando ayuda a ella y a su marido Laszlo a huir a Estados Unidos, renunciando así a la mujer que ama. Es una escena mítica, dominada por la noche y por la niebla, cercana a las de los mejores ejemplos del cine expresionista alemán, lo mismo que las del interior del café de Rick, con Sam al piano interpretando la famosa As time goes by (Mientras el tiempo pasa)---素晴しい---, y el predominio de los planos cortos, que detallan los rostros de los personajes y muestran sus emociones. Pese a sus elementos de thriller patriótico, melodrama exótico y película de guerra, muy bien engarzados por Curtiz, Casablanca es sobre todo una gran historia de amor, en la que la gama de secundarios proporciona profundidad a la historia.

La película constituye un ejemplo de la utilización que se hizo del cine en la década de los cuarenta para crear un determinado clima entre la opinión pública y, en este caso, mitigar el rechazo inicial de la población estadounidense a la participación activa en el conflicto bélico. Fue una película de encargo, encomendada cuando Estados Unidos aún no había entrado en guerra, y precisamente su estreno coincidió con la conferencia que Churchill y Roosevelt mantuvieron en Casablanca. Aunque no únicamente por este contexto político oportuno cosechó el éxito, el filme es un alegato en favor de la resistencia contra la ocupación alemana de Francia. Los protagonistas se presentan como modelos de comportamiento a imitar; el desencantado Rick actúa de la forma en que todo buen ciudadano debe hacerlo: renuncia al amor, según manda la rígida moral de la época, y toma partido comprometiéndose con la resistencia.

Humphrey Bogart falleció el 14 de enero de 1957 víctima de un cáncer de esófago en Los Angeles, California.


Premios Óscar

1955 Mejor actor - El motín del Caine - Nominado
1951 Mejor actor - The African Queen - Ganador
1943 Mejor actor - Casablanca - Nominado


Filmografía:

1956 The Harder They Fall
1955 We're No Angels
1955 The Desperate Hours
1955 The Left Hand of God
1954 The Caine Mutiny
1954 The Barefoot Contessa
1954 Sabrina
1954 The Love Lottery
1953 Beat the Devil
1953 Battle Circus
1953 Road to Bali
1952 Deadline U.S.A.
1951 Sirocco
1951 The Enforcer
1951 The African Queen
1950 Chain Lightning
1950 In a Lonely Place
1949 Knock on Any Door
1949 Tokyo Joe
1948 The Treasure of the Sierra Madre
1948 Key Largo
1947 Always Together
1947 The Two Mrs. Carrolls
1947 Dead Reckoning
1947 Dark Passage
1946 Two Guys from Milwaukee
1946 The Big Sleep
1945 Conflict
1944 Passage to Marseilles
1944 To Have and Have Not
1943 Sahara
1943 Thank Your Lucky Stars
1943 Action in the North Atlantic
1942 Casablanca
1942 The Big Shot
1942 In This Our Life
1942 Across the Pacific
1941 All through the Night
1941 The Maltese Falcon
1941 High Sierra
1941 The Wagons Roll at Night
1940 Virginia City
1940 Invisible Stripes
1940 It All Came True
1940 They Drive by Night
1940 Brother Orchid
1939 Dark Victory
1939 King of the Underworld
1939 You Can't Get Away with Murder
1939 The Roaring Twenties
1939 The Oklahoma Kid
1939 The Return of Doctor X
1938 Crime School
1938 Bullets or Ballots
1938 Swing Your Lady
1938 Men Are Such Fools
1938 Angels with Dirty Faces
1938 The Amazing Dr. Clitterhouse
1938 Racket Busters
1937 San Quentin
1937 The Great O'Malley
1937 Marked Woman
1937 Kid Galahad
1937 Stand-In
1937 Black Legion
1937 Dead End
1936 The Petrified Forest
1936 China Clipper
1936 Two Against the World
1936 Isle of Fury
1934 Call It Murder
1932 Three on a Match
1932 Big City Blues
1932 Love Affair
1931 A Holy Terror
1931 Women of All Nations
1931 Bad Sister
1931 Body and Soul
1930 A Devil with Women
1930 Up the River

Lauren Bacall nació ローレン・バコール誕生 (1924年)

'Casablanca', la película más famosa de la historia, esta noche en 'Clásicos de la 1'